François Dumont piano

Chants de la terre et des étoiles

Voici un récital qui s’inaugure dans l’allégresse du « Veni Creator » — version allemande : « Komm’, Gott, Schöpfer, heiliger Geist ». Traduit du latin en allemand à l’époque de la Réforme, cet hymne grégorien devenu un choral luthérien fait partie de ceux qui ont été travaillés par Bach pour l’orgue, dans ce corpus que l’on nomme les « Préludes de choral ». C’est le grand pianiste et compositeur italo-allemand, Ferruccio Busoni, qui en a proposé près de deux siècles plus tard une magistrale et convaincante transcription pour piano. Si l’on revient un instant sur la teneur du texte, on y découvre la célébration de la création tout entière, ce qui forme un idéal lever de rideau à deux journées de concerts consacrées à la thématique « De la Terre aux Étoiles »…

Avec une œuvre de Déodat de Séverac rarement donnée au concert, Le Chant de la terre, on a affaire à une musique « de terroir », de louange profane à la terre natale, comme un certain nombre de compositeurs français du passage du 19e au 20e siècle en sont coutumiers. Vincent d’Indy s’y était livré en 1886 dans sa Symphonie sur un chant montagnard français (dite « Cévenole »). Dans l’entre-deux guerres, ce sera Joseph Canteloube, dans ses Chants d’Auvergne – 1923–1930. Un autre représentant bien connu de cette tendance régionaliste : Déodat de Séverac compose en 1901 son Chant de la terre, poème géorgique pour piano, en sept parties. Canteloube, son ami, publiera en 1951 une monographie consacrée à Déodat de Séverac où il écrit: « Il conseille de revenir à sa terre, à sa race, à la lumière, à l’air, au soleil, à la couleur de chez soi et cela, non par vaine attitude, mais parce qu’il est convaincu de cette nécessité ». Cette profession de foi du « chez soi » et du « bien de chez nous » sera liée ensuite chez Canteloube, à vrai dire, à son adhésion au régime de Vichy, ce qui la rend pour le moins suspecte. Acteur important de la politique culturelle pétainiste, Canteloube écrit dans L’Action française : « Il faut aux chants de la terre, leur décor, leur cadre, leur accompagnement de nature, de plein air. »

Mais chez Déodat de Séverac, il s’agit plutôt d’une rêverie, du déploiement d’un paysage de type impressionniste , ce que le pianiste Alfred Cortot développe ainsi : « Déodat eût écrit pour les Géorgiques la musique que Virgile eût aimé, expansive, familière et grave et telle que son Chant de la terre nous en donne l’avant-goût. Il eût été – il était déjà — et sans rien abdiquer de sa personnalité, notre Granados… »

C’est une autre façon d’explorer les paysages de la nature que semble proposer Liszt dans le cycle des « Années de Pèlerinage ». Commencée en 1836, à l’époque du voyage de Liszt en compagnie de Marie d’Agoult en Suisse et en Italie (escapade entreprise pour échapper au scandale que suscitait à Paris leur liaison…), la composition de ce grand ensemble de pièces divisé en trois cahiers se développera jusqu’en 1877 et comprend des pièces évocatrices de paysages particuliers mais aussi des pièces plus abstraites, portant le titre d’œuvres célèbres de la peinture et de la poésie italienne (Raphaël, Pétrarque, etc.).

Les trois pièces au programme de ce récital donnent une très bonne idée de la diversité de styles qu’y parcourt le compositeur : si l’Italie évoquée ici est plutôt celle d’une nature civilisée et ordonnée par la main humaine (villas et jardins, tels que ceux qui émaillent la rive du Lac de Côme, ville où, soit dit en passant, naquit la fille illégitime de Liszt et Marie d’Agoult : Cosima, la bien nommée, future femme de Wagner, ou encore le fameux jardin de la Villa d’Este, à Tivoli, près de Rome, avec ses jets d’eau spectaculaires), la Suisse s’y voit mise en musique sous l’angle d’une poétique des éléments, comme dans la pièce intitulée Orage.

Quant à la Vallée d’Obermann, l’une des pièces les plus complexes et les plus riches du cycle tout entier, elle se présente comme une plongée dans les abimes d’une angoisse métaphysique. Obermann est le titre d’un roman épistolaire d’Étienne Pivert de Sénancour (1770–1846), publié en 1804 et qui avait connu un grand succès dans les cercles cultivés du premier romantisme. Liszt y pioche la citation suivante : « Que veux-je ? Que suis-je ? Que demander à la nature ? » Tout un programme… qui donne lieu à une pièce de près d’un ¼ d’heure, dense d’idées pianistiques très diverses et proposant une véritable dramaturgie, de la ténébreuse mélancolie initiale à la paix finale, en passant par des séquences de récitatif, de narration en musique, de déferlements virtuoses…

H.P.